Plus qu’un livre, Macadam Color Street photo est un manifeste. Car Jean-Christophe Béchet ne donne pas simplement à voir des images. Par les textes et les entretiens croisés, la street photo se révèle ainsi discipline à la fois accessible au grand public et bien plus difficile qu’il n’y paraît, tant les pièges techniques et les facilités sont nombreux.
Il ne faut pas s’attendre, avec Macadam Color Street Photo, à un guide pratique du parfait street photographer ! Fin pédagogue et pas avare de bons conseils, le photographe Jean-Christophe Béchet y distille bien quelques astuces utiles – notamment pour éviter les clichés trop caricaturaux –, mais l’essentiel de cet ouvrage réside plutôt dans les questions qu’il soulève. L’auteur a en effet échangé avec trois grandes figures de la photographie en France : Sylvie Hugues, consultante en photographie, commissaire d’expositions et correspondante pour la section photographie à l’Académie des Beaux-Arts, Michel Poivert, professeur d’histoire de l’art à l’Université Paris I et historien de la photographie, et Jean-Luc Monterosso, fondateur de la Maison européenne de la photographie.
Ainsi, en écho aux photos couleurs prises sur les macadams de Cuba, du Japon ou des États-Unis, des réflexions surgissent au fil des discussions. Quelle est la valeur documentaire de la street photo et quelle est la place de cette discipline dans le paysage photographique ? Pourquoi parler de « street photo » plutôt que de « photo de rue » ? Il est question de documentaire poétique, des écoles françaises, américaines et japonaises, de jeu urbain et, bien sûr, d’editing, cette étape fondamentale, à laquelle tient particulièrement Jean-Christophe Béchet.
Justement, la qualité d’impression et de fabrication sont au rendez-vous, tout au long des 192 pages dans lesquelles on se plaît à errer au fil des destinations, en adoptant la démarche de l’auteur, qui arpente inlassablement les macadams : « Il faut se laisser porter par le hasard, par les lumières et les événements qui se passent. » Un des nombreux enseignements de ce manifeste, dont nous avons eu la chance de rencontrer l’auteur.
La street photo ne se limite pas au trottoir ou au macadam, on la pratique dans des cafés, les restaurants, les bus, le métro… Comment pourrait-on la définir ?
Les définitions sont toujours délicates à établir et on est vite confronté à des contre-exemples et des contestations. Mais, pour délimiter la street photo, je dirai que c’est une pratique photographique qui considère la ville et la rue comme un théâtre urbain. Le photographe de rue est le chroniqueur du quotidien, du banal, de tout ce qui fait l’histoire des hommes et des lieux loin des soubresauts de l’actualité. Le reporter parle des moments de crises, des événements extraordinaires, le street photographer, lui, se focalise sur le passant anonyme ; il enregistre l’esprit du moment, l’air du temps, et une foule de petits détails qui prendront de la valeur avec le recul du temps. Ensuite, selon son style, il s’intéressera plus à l’approche esthétique ou documentaire. Pour ma part, j’essaie de donner autant d’importance aux corps qu’au décors, c’est pourquoi je cadre assez large et j’aime laisser flotter un sentiment d’incertitude, voire d’interrogation… D’ailleurs, je parle de mes images de street photo comme de “paysages habités”.
Pourquoi avoir choisi le terme de “manifeste” ?
D’abord parce que j’aime ce mot que j’avais déjà employé, dans un autre contexte, pour mon livre Vues Numéro Zéro, en 2006 ! Mais surtout, je voulais que dans ce livre de photos, mes images résonnent avec des textes qui posent certaines questions et apportent, peut-être, des réponses. Et je voulais confronter mes idées, mes intuitions et mes réflexions à celles de trois grands noms de la photographie, Michel Poiver, Jean-Luc Monterosso et Sylvie Hugues. De nos échanges dans le livre naît, je crois, une vraie réflexion originale, en tous cas assez rarement développée. Ainsi, une forme d’engagement “social” naît et rappelle que pour moi la street photo est le seul genre exclusivement photographique, qu’il en est même l’“ontologie” – pour employer un mot savant !
Dans le livre, on voyage beaucoup, de Madrid à Cuba en passant par Tokyo, le tout sans légendes, qui n’apparaissent qu’à la fin. Pourtant, on n’est jamais vraiment “dépaysé” : comment avez-vous procédé, et quelle est l’importance de l’editing au moment de concevoir un livre photo ?
Je voulais parler de l’homme urbain au XXIe siècle et, pour cela, je trouvais capital que l’on passe avec fluidité et sans indication de lieu de Tokyo à Corbeil-Essonnes, de Dubaï à Madrid, de New-York à Cape Town, Marseille ou Saint-Brieuc… À l’énoncé de ces noms, on s’attend à une grande hétérogénéité, et pourtant je suis content qu’on ressente au contraire une forme de continuité, de déroulé, page après page. J’ai en effet beaucoup travaillé l’editing, d’abord par périodes, depuis quatre ou cinq ans en créant des chapitres, des associations d’images. C’est pourquoi je dis souvent que l’on est autant photographe lors de l’editing que pendant la prise de vue et que ce moment du choix est à la fois long, fatigant, déconcertant, déchirant – et qu’il est pourtant au cœur même de notre métier ! Il est même devenu le cœur de notre activité, avec la technologie numérique où l’on déclenche tous beaucoup trop !
Pourquoi les images de street photo contemporaine ont-elles du mal à se faire une place en galerie… alors que les anciennes sont très prisées ?
Pour deux raisons parallèles : quand elles sont encore récentes, les photos de street photo ne sont pas assez factuelles pour la presse, qui va préférer des images de reportage plus “symboliques” et journalistiques, et le marché de l’art va, à l’inverse, les trouver trop “banales” et pas assez esthétiques ou décoratives pour être encadrées et mises au mur. Il n’y a qu’avec le recul du temps qu’elles prennent une autre saveur, quand elles se mettent à témoigner du passé. Il n’y a qu’à voir l’exemple de Vivian Maier ! Mais ce n’est pas nouveau ; Brassaï disait déjà en 1933 : “C’est du réel des choses les plus quotidiennes qu’est fait à la longue le charme du passé. Nous qui sommes si vains d’être ‘modernes’, nous serons, un jour, des vieilles lunes, et le cadre neuf où nous vivons apparaîtra aussi un décor de songe… Photographes de 1933, c’est pour l’an 2000 que vous travaillez, on vous y trouvera bien du talent. »
Quelle est la valeur documentaire d’une photo de street photography, à vos yeux ?
Essentielle ! Mais, attention, je crois que cette valeur documentaire doit passer par une approche créative, esthétique, ou poétique ! En effet, il faut déjà qu’une photo nous attire, nous étonne, nous intéresse grâce à ses qualités plastiques (cadrage, lumière, contraste, etc.) pour qu’on la remarque et que l’on repère, ensuite, son caractère documentaire. C’est pourquoi, à l’inverse, je me lasse vite des images trop belles, trop séduisantes, qui plaisent trop vite et qui s’évaporent aussitôt. C’est facile aujourd’hui de faire une photo de rue colorée et dynamique qui va plaire, mais si elle ne dit rien de l’époque, ni du point de vue de l’auteur sur le monde contemporain, elle est pour moi une photo secondaire…
La dimension esthétique semble primordiale en street photo : comment appréhender le cadre, dans la rue ?
Il faut trouver sa distance, sa lumière, son point de vue… et puis marcher, marcher, marcher encore… Et, tout à coup, s’arrêter dans un lieu où l’on va attendre longtemps que quelque chose arrive ! Avec l’expérience, on pressent, on imagine, on espère… et parfois ça vient. Alors là, après avoir été patient et passif, on devient rapide, excité, décisif… Bref, c’est un drôle de comportement, un peu absurde, erratique, une forme d’errance, d’ennui, de mélancolie – avec quelques poussées d’adrénaline !
Y a-t-il des règles à suivre, des pièges à éviter, dans la pratique ?
Le piège à éviter à tout prix est celui de la technique, de trop penser à son appareil photo, à ses réglages. Non, il faut tout pré-régler et oublier tout cela pour être concentré à 100 % sur le spectacle de la rue. Prendre un seul objectif, oublier les zooms – qui sont de faux amis – et foncer ! Les autres pièges dépendent davantage de son goût et de ses opinions. Pour ma part, je pense qu’il faut éviter les anecdotes vues et revues et les photos qui se moquent des petits, des gros, des mal habillés, des mal coiffés… L’humour, c’est toujours délicat à définir et chacun a ses propres limites. Toutefois, il y a un point dont je suis sûr, en street photo comme dans la plupart des autres styles photographiques : il ne faut pas chercher à illustrer une idée préconçue, comme la solitude ou la solidarité par exemple. Il faut se laisser porter par le hasard, par les lumières et les événements qui se passent. Alors on déclenche et on verra ensuite si on garde cette photo ou pas, mais quand on appuie sur le déclencheur, il faut vraiment ne penser à rien !
Et pour découvrir les emblématiques «street photography» de Jean-Christophe Bechet, rendez-vous à la Fisheye Gallery, à Paris, du 15 juin au 2 juillet.
